busca entre mis delirios

sábado, enero 29, 2005

¡Qué basura de tele!



Tienes un rato libre entre que estás fregando los platos de la cena, o calentándote la comida del al medio día, o mientras esperas que deje el baño libre tu hermana, o simplemente cuando tu cervicales dan el ‘¡Alto!’ después de más de cinco horas delante del ordenador y entonces, enciendes la tele.
Ahora mismo, finales del mes de enero de 2005, en un país accidentalizado, moderno, con buen talante y progresistamente liberal.
¿Qué tenemos por televisión?

- Dos programas de mañana con dos petardas por presentadoras que están más ocupadas de sus arrugas, de lo maravillosas que son y de tratar de ganar un pellizco de share a la otra, que de mejorar y enriquecer los contenidos de su programa. Dos competentes incompetentes que son cansinas hasta en sus propios colaboradores. Se repiten más que las alubias.

- Al medio día, informativos, sí, lo de siempre. Sin mojarse, muy correctos, muy suyos, muy propios, nada interesantes.

- Después, más corazón. Por si no habíamos tenido suficiente con lo de la mañana, la continuación en exclusiva enlatada y anunciado como conserva alimenticia, pero desde luego, sea lo que sea, empacha ya oiga.

- ¿Aún no tienes las tripas revueltas? Pues según aprietes el tres o el cinco en tu mando a distancia estarás más cerca del retrete. Que si una isla, una selva, una sabana, da igual el donde, el cómo y el qué es el mismo. Famosotes, que como no les habíamos visto el pelo en todo el día, verdad, pues se aislan del mundo civilizado para llamar más aún la atención. O bien, que también puede ser, se encierran en una casa y se lían a mostrar una tras otras las petulancias e incorrecciones del ser humano. Como he dicho, el fondo es el mismo, lo peor que hay en una persona y además, que tenemos más vista que el cagar.

- Ya hecha la digestión y mientras tomas el café, puedes ver un resumen, por si diera la suerte de que te has echado una siestecita (española), de lo ha pasado en las últimas horas en la isla, la selva, la sabana y la casa. Un resumen que más que reducir los contenidos a los esencialmente importante (como indica el diccionario) lo que hacen es extenderlo a más de dos horas en la que, más famosos, discuten y juzgan a sus pares. Y parece ser que hay clásicos entre esos contertulios. Muy divertido.

- Cuando por fin terminan estos dichosos programitas rosas, llegan los concursos. Oh si, que didácticos, verdad. Por fin la cultura llega a nuestras televisiones. Pues no, amigos y amigas, ahora se trata de elegir cajas, adivinar palabras o responder a preguntas relacionadas con el Metro de Madrid. Y encima con las mismas caras sociatas de antes. Cómo se les ve el plumeroooooo

- Venga ya, después de cenar, eso si, el telediario, y después, una especie de zapping o algo por el estilo, cuando no nos meten el telecupón.

- Y llega el momento preferido de mis padres, las series!! Qué grandeza, que maestría, que calidad en la realización española… Unos tíos estúpidos que no saben hacer nada más que bailar, y llevan así varios años, sin pasar de curso, los pobres. Una familia que no pierde su gracia (quizá porque no la tienen) copiada al milímetro de los simpsons, con actores de lo mejorcito del cine español (jijiji) y con unas tramas, uuuuu, super mega curradísimas. Un bloque de vecinos, que vale, sí, es curioso de ver, pero al final acaba cansando, como todo. El CSI, que desde que compraron el juego PC en casa, ya me sé como van a resolver todos los crímenes. La ya pasada de rosca 7 vidas, que por suerte ha acabado, más que nada porque desde hacia tiempo habia perdido todo su significado (7 vidas, ¿de que?) y porque ya apenas quedaba un personaje de la cantera inicial, y de nuevo, repetian sin ton ni son las tramas de Friends. ¡¡Atrevidos!! Y por supuesto, las galas de la selva, la isla, la sabana y la casa.

- Y cuando todos estan en la cama, y quedan los padres e hijos e hijas mayores rondando por el salón, los late nights.
Buff, lo mejorcito de nuestra televisión debe estar por ahí, más que nada porque es de lo que siempre se discute cuando se habla de telebasura.
El Sardá no merece descripción. No él, su programa se ha convertido en la perversión de la humanidad del género. Una vergüenza ajena verlo. No repetiré.
El Buenafuente, la compe. Un pesado. No le trago lo siento por sus amigos de El Terrat que son únicos en sus parodioas de Homozapping, pero el tío este es bastante insoportable. Él y sus tics… no, ni siquiera sus monólogos me hacen gracia. Juro que me reía mucho más cuando estaba en TV3 y los leía por escrito.
El wyoming… si ni le tragaba en CQC, como hacerlo ahora. Se puede meter su programa por donde le quepa.
No nos olvidemos de los fines de semana y eso fabulosos Salsa Rosa o Donde estas corazon… el futuro del nuevo 4º poder :S
Lo mejor desde luego los programas de cine, todos los que hay que cada vez hay más y los pocos programas de tertulia tipo 59 segundos o Las cerezas (que se les ve tambien el palo un monton con el tema del Gobierno...).

- Y a todas horas, mañana, mediodía, tarde y noche… LOS CAPULLOS DE LOS FAMOSOS EN PLAN LÍDERES DE OPINIÓN LEYÉNDONOS DE MODO PARTIDISTA Y REPULSIVO FRAGMENTOS DE LA CONSTITUCIÓN EUROPEA!!!!

Conclusión:

jueves, enero 27, 2005

Quiniela de los Oscars



Sí, tiene mucha razón PennyLane cuando dice que no somos precisamente originales llenando nuestros blogs en estas fechas de las listas y nuestras predicciones para los premios con más tongo de la historia.
Pues bueno, sigo en mi racha, y os pongo ahora lo que yo QUERRÍA (que será seguramente muy diferente a lo que resulte en realidad) para esta edición de la Academia.
Me faltan algunas por ver, asi que como es lógico igual de aquí a unos días cambian un poco las cosas, pero eso sí, ójala, ójala de verdad que el Scorsese se quede sin uno solo.

BEST PICTURE
MILLION DOLLAR BABY

DIRECTING
MILLION DOLLAR BABY

ACTOR IN A LEADING ROLE
Jamie Foxx - RAY

ACTOR IN A SUPPORTING ROLE
Jamie Foxx - COLLATERAL

ACTRESS IN A LEADING ROLE
Hilary Swank - MILLION DOLLAR BABY

ACTRESS IN A SUPPORTING ROLE
Cate Blanchett - THE AVIATOR

ANIMATED FEATURE FILM
THE INCREDIBLES

ART DIRECTION
A VERY LONG ENGAGEMENT

CINEMATOGRAPHY
HOUSE OF FLYING DAGGERS

COSTUME DESIGN
LEMONY SNICKET'S A SERIES OF UNFORTUNATE EVENTS

DOCUMENTARY FEATURE
SUPER SIZE ME

DOCUMENTARY SHORT SUBJECT
AUTISM IS A WORLD
THE CHILDREN OF LENINGRADSKY
HARDWOOD
MIGHTY TIMES: THE CHILDREN'S MARCH
SISTER ROSE'S PASSION

FILM EDITING
COLLATERAL

FOREIGN LANGUAGE FILM
THE CHORUS

MAKEUP
LEMONY SNICKET'S A SERIES OF UNFORTUNATE EVENTS

MUSIC (SCORE)
HARRY POTTER AND THE PRISONER OF AZKABAN

MUSIC (SONG)
"Learn To Be Lonely" - THE PHANTOM OF THE OPERA

SHORT FILM (ANIMATED)
BIRTHDAY BOY
GOPHER BROKE
GUARD DOG
LORENZO
RYAN

SHORT FILM (LIVE ACTION)
7:35 IN THE MORNING

SOUND EDITING
SPIDER-MAN 2

SOUND MIXING
THE INCREDIBLES

VISUAL EFFECTS
SPIDER-MAN 2

WRITING (ADAPTED SCREENPLAY)
BEFORE SUNSET

WRITING (ORIGINAL SCREENPLAY)
ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND

miércoles, enero 26, 2005

The aviator, 2004


Qué pena, oye, Scorsese nos demuestra su descenso en picado y con previsión de choque inminente.
Mira que no me lo quería creer, hacía por pensar que Gangs of New York no era más que una excepción entre la maestría y a pesar de todo, a pesar de todos los errores y los fallos de ella, se sitúa ahora por encima de The Aviator.


Un actor que no dice nada, un capricho cuasi-infantil del señor director que espero se le pase pronto; una nominación para DiCaprio que no se merece ganar en absoluto. Parece ese hijo predilecto al que no queremos ver en ningún momento sufrir, al que no somos capaces de hacer una cicatriz en su cara, una herida conforme a un accidente de avión por el que casi pierde la vida y por el que más del 80% de su cuerpo resultaron abrasadas. Ese cara bonita que tras ese aparatoso accidente sigue siendo tal. Muy bien, de nuevo, Martin, el mismo fallo que en Gangs. Esa cicatriz que aún me río al recordarla.
Un director que pierde altura, que se nos viene abajo por película, que cada vez demuestra menos y peor de lo que es -fue- capaz de realizar.
Una música de Shore que es una patatilla envinagrada. Una banda sonora compuesta de piezas que bien podrían -y de hecho en una ocasión al menos, asi es- salir de una peli del Allen.
Una fotografía acertada, aunque abusiva, mal usada y sin medida.
Un montaje que me meo toa con él. Si nos quejábamos de Gangs, que vengan ahora a ver este. Un sinsentido de narración. No se sostiene por ninguna parte, no tiene continuidad, el raccord no lo conocen, todo desdibujado, flashbacks eternos... Pare el tren, Mss. Schoonmaker, que yo me bajo.Y el final, ay el final, que descojone.
Ya decía yo que no iba a tener cojones el Scorsese de ahora de meter el lío de la codeína...


Pero sí, la peli tiene algo bueno, y es la maravillosa y resplandenciente Cate Blanchett clavando su rol de K. Hepburn.
Sin más, todos los reconocimientos que sean posibles por esa pedazo de interpretación que por lo menos durante los minutos que llenaba la pantalla, hacía mostrarme interesada. Ella es la película y por ella se salva de la quema despiada.
Muy bien tía, gracias por demostrar quien es de las mejores de la cantera actual.

martes, enero 25, 2005

Lista de nominados a los Oscars


BEST PICTURE
THE AVIATOR
FINDING NEVERLAND
MILLION DOLLAR BABY
RAY
SIDEWAYS

DIRECTING
THE AVIATOR
MILLION DOLLAR BABY
RAY
SIDEWAYS
VERA DRAKE

ACTOR IN A LEADING ROLE
Don Cheadle - HOTEL RWANDA
Johnny Depp - FINDING NEVERLAND
Leonardo DiCaprio - THE AVIATOR
Clint Eastwood - MILLION DOLLAR BABY
Jamie Foxx - RAY

ACTOR IN A SUPPORTING ROLE
Alan Alda - THE AVIATOR
Thomas Haden Church - SIDEWAYS
Jamie Foxx - COLLATERAL
Morgan Freeman - MILLION DOLLAR BABY
Clive Owen - CLOSER

ACTRESS IN A LEADING ROLE
Annette Bening - BEING JULIA
Catalina Sandino Moreno - MARIA FULL OF GRACE
Imelda Staunton - VERA DRAKE
Hilary Swank - MILLION DOLLAR BABY
Kate Winslet - ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND

ACTRESS IN A SUPPORTING ROLE
Cate Blanchett - THE AVIATOR
Laura Linney - KINSEY
Virginia Madsen - SIDEWAYS
Sophie Okonedo - HOTEL RWANDA
Natalie Portman - CLOSER

ANIMATED FEATURE FILM
THE INCREDIBLES
SHARK TALE
SHREK 2

ART DIRECTION
THE AVIATOR
FINDING NEVERLAND
LEMONY SNICKET'S A SERIES OF UNFORTUNATE EVENTS
THE PHANTOM OF THE OPERA
A VERY LONG ENGAGEMENT

CINEMATOGRAPHY
THE AVIATOR
HOUSE OF FLYING DAGGERS
THE PASSION OF THE CHRIST
THE PHANTOM OF THE OPERA
A VERY LONG ENGAGEMENT

COSTUME DESIGN
THE AVIATOR
FINDING NEVERLAND
LEMONY SNICKET'S A SERIES OF UNFORTUNATE EVENTS
RAY
TROY

DOCUMENTARY FEATURE
BORN INTO BROHELS
THE STORY OF THE WEEPING CAMEL
SUPER SIZE ME
TUPAC: RESURRECTION
TWIST OF FAITH

DOCUMENTARY SHORT SUBJECT
AUTISM IS A WORLD
THE CHILDREN OF LENINGRADSKY
HARDWOOD
MIGHTY TIMES: THE CHILDREN'S MARCH
SISTER ROSE'S PASSION

FILM EDITING
THE AVIATOR
COLLATERAL
FINDING NEVERLAND
MILLION DOLLAR BABY
RAY

FOREIGN LANGUAGE FILM
AS IT IS IN HEAVEN
THE CHORUS
DOWNFALL
THE SEA INSIDE
YESTERDAY

MAKEUP
LEMONY SNICKET'S A SERIES OF UNFORTUNATE EVENTS
THE PASSION OF THE CHRIST
THE SEA INSIDE

MUSIC (SCORE)
FINDING NEVERLAND
HARRY POTTER AND THE PRISONER OF AZKABAN
LEMONY SNICKET'S A SERIES OF UNFORTUNATE EVENTS
THE PASSION OF THE CHRIST
THE VILLAGE

MUSIC (SONG)
"Accidentally In Love" - SHREK 2
"Al Otro Lado Del Río" - THE MOTORCYCLE DIARIES
"Believe" - THE POLAR EXPRESS
"Learn To Be Lonely" - THE PHANTOM OF THE OPERA
"Look To Your Path (Vois Sur Ton Chemin)" - THE CHORUS

SHORT FILM (ANIMATED)
BIRTHDAY BOY
GOPHER BROKE
GUARD DOG
LORENZO
RYAN

SHORT FILM (LIVE ACTION)
EVERYTHING IN THIS COUNTRY MUST
LITTLE TERRORIST
7:35 IN THE MORNING
TWO CARS, ONE NIGHT
WASP

SOUND EDITING
THE INCREDIBLES
THE POLAR EXPRESS
SPIDER-MAN 2

SOUND MIXING
THE AVIATOR
THE INCREDIBLES
THE POLAR EXPRESS
RAY
SPIDER-MAN 2

VISUAL EFFECTS
HARRY POTTER AND THE PRISONER OF AZKABAN
I, ROBOT
SPIDER-MAN 2

WRITING (ADAPTED SCREENPLAY)
BEFORE SUNSET
FINDING NEVERLAND
MILLION DOLLAR BABY
THE MOTORCYCLE DIARIES
SIDEWAYS

WRITING (ORIGINAL SCREENPLAY)
THE AVIATOR
ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND
HOTEL RWANDA
THE INCREDIBLES
VERA DRAKE

domingo, enero 23, 2005

Million Dollar Baby, 2004



Qué peliculón, señores y señoras.
Eastwood me desilusionó descaradamente el año pasado con Mystic River. Lo que parecía ser la película del año, se convirtió en una mezcolanza de telefilm y película pretenciosa que acabó despertándome un sonoro bostezo.
La que se suponía que era para muchos entendidos, la película definitiva de Clint, resultó ser una fallida muestra de que hasta los grandes son pequeños algunas veces.


Este año, Clint Eastwood - aquí director y actor principal- vuelve a nuestras pantallas, con una historia que lejos de parecerse a la precedente, cautiva a los más pasivos.
Una historia alrededor de la violencia en el estado más puro, de la brutalidad que se vuelve a veces artística, sangre explícita, desagradable... violencia al fin y al cabo que envuelve la vida de Maggie Fitzgerald (Hilary Swank), una tenaz joven que desea penetrar en el mundo del boxeo.
Y no cuento más, me cuesta privarme de ciertos comentarios, porque la película da mucho de sí en sus dos horitas de metraje, pero es súmamente fundamental que acudáis a verla sin ningún tipo de prejuicio, sin saber nada de su argumento.
La razón no es similar en absoluto a las películas de intriga en la que al final el film mete un giro tan brutal que nos deja anonadados ("los muertos somos nosotros"; "Malcom ha estado muerto todo el metraje") sino que en este caso, simplemente se disfruta mucho más si previamente no te has hartado a saber acerca de la vida de Maggie, si sus idas y venidas te cojen de improviso y por sorpresa.
Y aquí me pregunto, como reflexión trival y lejos de pretender juzgar lo que no he visto, si Mar Adentro no habría tenido mucho más exito si no hubiéramos sabido tanto de Sampedro.


Volviendo a Million Dollar Baby, decir simplemente que se trata de un perfecto ejercicio moral, una historia que sobrecoje en varios momentos de la película, motivados distintamente por el desagrado, el asco y la emoción, y que en ciertos momentos llega incluso a hacerte estremecer, paralizando tu sistema nervioso y dejando impunemente caer unas gotitas lacrimales que recorren sin pena ni verguenza las laderas de tus mejillas.
Y da fe alguien que no había llorado viendo una película desde Bailando en la oscuridad.

Y por otro lado, y de nuevo veis que me estoy mordiendo mucho la lengua para no decir lo que no debo, es una perfecta muestra de lo que un director es capaz de hacer con una buena historia en la mano derecha, y un perfecto reparto en la izquierda.
Clint nos tiene acostumbrados a muy buenas interpretaciones cuando se digna a lucir por pantalla, así que en este caso, no demuestra nada del otro mundo. Está espléndido y punto.


Pero diferente es el caso de Hilary Swank, eterna desconocida -desafortunadamente- para el público en general y gran promesa de la que uno se puede fiar si pretende ver una película suya. Da un poco de pena que sea a sus 30 años cuando se la vaya a reconocer verdaderamente dentro del cine.
A mí me cautivó, lo admito, en Boys don't cry, me dejó estupefacta y viendo de lo que ha sido capaz en Million Dollar baby, no me va a sorprender en absoluto que se lleve a su casa varios premios (entre ellos, seguro, segurísimo, el de la Academia). Está perfecta, sencillamente. No me puedo imaginar a otra actriz desempeñando su papel.

Asi que chicos y chicas tímidos que leen este blog perdido por la red, id a verla y no os arrepentiréis. Evitad eso sí, saber nada del argumento de la peli.
En España se estrena a principios de febrero, asi que quedáis avisados para que vayáis haciendoos vuestros planes.

martes, enero 18, 2005

FRANÇOIS TRUFFAUT (X)

Yo sólo funciono por sensaciones, por cosas ya comprobadas. Es por esto que mis films están llenos de recuerdos de juventud.




Y así ponemos punto y final a la mini retrospectiva de estos últimos días, reconozco que a veces un poco pelmazo para aquellos que leéis, puesto que además de ser condenamente densa y bastante larga también, supone un problema para los que no han visto ciertas películas y quieren evitar leer algo que les pueda destripar el film.
A pesar de todo, y de saber que iba a resultar ciertamente pesada, (no escribirlo, que conste, que ha sido un verdadero placer), sino para quien lo recibe sin haberlo demandado, me he decidido por este autor y no otro para realizar esta visita virtual a su pasado cinematográfico. Me parece un director clave en la historia del cine contemporáneo, un realizador que ha sentado cátedra y ha servido, sirve y servirá de ejemplo para numerosos directores que, tras él, quieren seguir el rastro de aquello que popularmente se le llama cine de autor. Un curioso personaje, del que nunca se llega a saber lo suficiente, que transladó al cine de la mejor de las maneras posibles su propia vida, eso sí, a través de alter egos pero cargada de una sabia moralina ética.

Puedo añadir que el cine ha sido en mi adolescencia una clase de refugio; por ello le tengo un amor casi religioso. No puedo tener por un hombre político el mismo interés que por los cineastas que admiro, y creo firmemente que, en la historia de Inglaterra del siglo XX, Charles Chaplin es más importante que Winston Churchil.
(...)
El cine, su historia, su pasado y su presente, se aprende en la cinemateca. Sólo se aprende allí. Es un aprendizaje perpetuo. Formo parte de esas gentes que tienen necesidad de volver a ver sin parar las viejas películas, las mudas, las primeras habladas. Paso mi vida en la Cinemateca, salvo cuando estoy ocupado en mi propio rodaje. He venido a vivir a un piso de Trocadero porque está al lado de la Cinemateca.



NB.- Muchas gracias a la web más completa que existe en español acerca de este director, fuente indispensable de textos e información en bruto: http://www.truffaut.eternius.com/

FRANÇOIS TRUFFAUT (IX)


BROCHE FINAL: Le dernier metro (1980), La Femme d'à Côté (1981), Vivement dimanche! (1983)





Le dernier metro / El último metro, 1980

Una estupendísima película mezcla entre cine negro e intriga policíaca retrata a la perfección el Paris ocupado por los nazis. El él un grupo de teatro intenta montar una obra. Con sus salvedades, recuerda ligeramente a su película anterior “La noche americana”, ya no sólo por el empeño del director de llevar a cabo la representación pese a todo, sino también por los problemas que se encuentra en su camino. Este es un judío de origen alemán que se supone que ha huido, aunque en realidad se esconde en el sótano del teatro de Montmatre. Al enterarse de que la GESTAPO, lo busca, y antes de desaparecer, deja una obra con todas las indicaciones necesarias para su puesta en escena.
Muy entretenida, con un Gerard Depardieu que no está tan mal como normalmente nos acostumbra, y con una ambientación deliciosa.



La Femme d'à Côté / La mujer de al lado, 1981

Repite de nuevo en escena nuestro querido Gérard Depardieu, esta vez en una película no de intrigas políticas sino más bien amorosas. En este caso, la fidelidad quedará pendiente de un fino hilo que pende entre la pasión desaforada de dos antiguos amantes y la cómoda vida del marido, padre de criaturitas y cabeza de familia.
Sin ser una gran película deja un buen sabor de boca a quienes ya se han acercado previamente al cine de Truffaut, aunque es cierto que no resulta muy recomendable para aquellos que no han visto previamente sus buenas películas anteriores ya que esta, lejos de pertenecer a este exquisito grupo, es de una mediocridad un tanto pobre.




Vivement dimanche! / ¡Vivamente el domingo!, 1983

A sólo un año de su fallecimiento, Truffaut nos dejó esta película en la que paradójicamente trata de un modo peculiar la muerte, el asesinato.
Julien Vercel, propietario de una agencia inmobiliaria, es el principal sospechoso de un doble asesinato: el de su propia mujer, Marie-Christine, y el del amante de ésta, Claude Massoulier. Las circunstancias se vuelven en contra de Julien cuando se le imputa un tercer asesinato, lo que lo obliga a desaparecer antes de que la policía lo detenga. Será su fiel secretaria, Barbara Becker, la encargada de iniciar las pesquisas y de descubrir la verdad, buscando primero lo que pudo ocurrir en la relación entre Massoulier y Marie-Christine, lo que la lleva a entrevistarse con el hermano del difunto. Barbara, detective no profesional, deberá enfrentarse a situaciones imprevistas en su afán por descubrir la identidad del verdadero culpable.

FRANÇOIS TRUFFAUT (VIII)

LOS ÚLTIMOS AÑOS: L’histoire d’Adèle H. (1975), L´argent de poche (1976), L'Homme Qui Aimait les Femmes (1977), La Chambre Verte (1978), L´amour en fuite (1979)






L’histoire d’Adèle H. / Diario íntimo de Adela H., 1975

Adèle Hugo, hija segunda del escritor francés Victor Hugo, desenbarca en Nueva Escocia (Halifax) en 1863. Bajo un nombre falso trata de encontrar y casarse con su amante, un atractivo oficial de la armada. El joven repudia su amor, lo considera acabado y sin el consentimiento de sus mayores, pero ella se aferra obsesivamente al amor y la pasión se convierte en la autodestrucción de Adèle.




L’argent de poche / La piel dura, 1976

Pierre Lachenay, escritor de éxito y conferenciante, casado desde hace catorce años y con una hija a la que adora, emprende un viaje en avión a Lisboa para dar una conferencia sobre Balzac. Durate el viaje hace amistad y acaba enamorándose extrañamente de Nicole. De vuelta a París Pierre trata de seguir normalmente el matrimonio con su esposa, pero sin perder contacto con Nicole. Más adelante, Lachenay pide a Nicole que le acompañe a Reims, donde él tiene que dar una conferencia. Intenta guardar el asunto en secreto de sus conocidos, pero va demasiado lejos y Nicole se muestra cada vez más incómoda por la situación. Tratando de compensarla, los dos amantes pasan un día en un hotel del país, invitación que Lachenay había prometido anteriormente a su esposa, que finalmente acaba enterándose de la infidelidad a través de unas fotos y decide emprender una venganza brutal sobre su marido.



L'Homme Qui Aimait les Femmes / El amante del amor, 1977

Narrada en un pretérito literario, cuenta la vida de un hombre tremendamente fetichista, absolutamente obsesionado con las mujeres como simples objetos dispensadoras de placer sexual. Vive observando a todas y cada una de las féminas que se cruzan en su vida. De cada cual le interesa algo concreto; sus piernas, los pechos, los ojos, el pelo, la boca, el modo de vestir… cualquier excusa es buena para lanzarse al vacío del cortejo.

Bien es cierto que hay muchas personas (y entre ellos, mi chico) que reconocen que se trata de una película sumamente machista.
En el fondo no es tal si nos lo tomamos con humor y tratamos de no buscar las malas intenciones donde no las hay,
No hay nada de lo que nos dice la película que no sea cierto en la sociedad en que vivimos hoy en día, nada que esté tan exageradamente extremado como para poder criticarlo con violencia. En todo caso, se trataría de uno de los aspectos del machismo que menos daño nos puede llegar a hacer, y aun así, tampoco es para tanto.
Él mismo lo dice todo:
En mi cine vuelve la idea de la mujer mágica. En 'La noche americana' un personaje pregunta tres veces si las mujeres son mágicas y recibe tres respuestas diferentes. Esta idea de la mujer ángel es machista, cierto, pero como dice Malraux, los hombres han idealizado a la mujer tanto tiempo que privarles de pronto de esta aureola sería un poco triste



La Chambre Verte / La habitacion verde, 1978


Es probablemente una de las películas más personales de Francois Truffaut. El propio Truffaut interpreta a Julien Davenne, un hombre reservado que destaca como redactor de aquellas en un periódico y que está absolutamente obsesionado con la muerte, convencido de que los difuntos no reciben el amor y la antención que merecen. Su reverencia se debe tanto a la culpa que siente por haber vuelto ileso de la Primera Guerra Mundial mientras todos sus conocidos murieron o fueron heridos, como a la repentina muerte de su esposa. Al conocer a Cecilia (Nathalie Baye), una mujer que también está de luto y que se enamora de él, tendrá la oportunidad de revivir.



L‘amour en fuite / El amor en fuga, 1979

Un bonito collage a modo de broche final que cierra la serie de Antoine Doinel. Tras cinco años de vida de matrimonio y con un hijo, Antoine Doinel y Christine se divorcian. Antoine trabaja ahora como corrector en una imprenta y está enamorado de Sabine, vendedora en una tienda de discos. Un día se encuentra allí a Colette Tazzi, la joven de las Juventudes Musicales que conoció en El amor a los 20 años y que fue su primer amor. Antoine se encuentra también con otros personajes que ha ido conociendo, como Monsieur Lucien, ex amante de su madre, y a todas las mujeres que han pasado por su vida.

domingo, enero 16, 2005

FRANÇOIS TRUFFAUT (VII)

DOS CIMAS: Les deux anglaises et le continent (1971), La nuit americaine (1973)




Les deux anglaises et le continent / Las dos inglesas y el amor, 1971


Nueve años después de la realización de una de sus películas más queridas y emblemáticas, Jules y Jim, Truffaut volvió a adaptar una novela de Henri Pierre Rouché, de nuevo sobre un trío amoroso, aunque esta vez compuesto por dos mujeres y un hombre. Cuenta la historia de Claude, un joven escritor francés de comienzos del siglo XX, que conoce a una chica británica llamada Anne, estudiante en París. Ella le invita a pasar un tiempo de vacaciones en su casa de Inglaterra, conociendo a su madre y a su hermana pequeña Muriel, de la que está segura de que se enamorará. Entre los tres surgirá una estrecha amistad primero y el referido triángulo amoroso después.

En Las dos inglesas y el amor Truffaut nos muestra claramente su personal concepción del amor, un amor físico y apasionado que a lo largo del metraje se va tornando más trágico, puro, sensual y romántico. Existe una contraposición evidente entre las dos hermanas, la puritana, pasional y vulnerable Muriel, choca con el vitalismo arrebatador de Anne. Claude se encuentra atrapado entre ambas, sin dar la impresión de poder decidirse y dejándose llevar por los acontecimientos. Quizás uno de los pocos fallos de la película sea la actuación de Jean-Pierre Leaud como Claude, quien le da un aire frío y ausente, a la expectativa, que no se corresponde con lo que el film quiere transmitir.

Truffaut tiene el mérito de construir una hermosa historia romántica con una delicadeza y entusiasmo tales que hace pasar desapercibida la realidad trágica latente en las imágenes. Aparte de la compleja experiencia emocional que supone compartir al destinatario de tu amor, o tener el corazón dividido por dos personas distintas, siempre está presente la duda ante el inicio de ese amor. Y es que esta es una película en la que constantemente se pone en duda la naturaleza de dicho sentimiento, lo que solamente puede acarrear dolor. En palabras de Muriel: “No es el amor lo que perturba la vida, sino la incertidumbre del amor”.


El mimo de Truffaut hacia la historia y sus personajes se nota en cada plano. Aquí se dan cita algunas de las mejores secuencias de toda su carrera, como el bello travelling alrededor de la cabaña suiza que alquilan Claude y Anne, o la inmensa sinceridad del final de la película, culminado con brillante y necesario epílogo en el Museo Rodin. No cuesta imaginarse a Truffaut poniendo cada gota de sentimiento en estas imágenes finales, sobre todo si tenemos en cuenta que esta era una de sus películas más queridas y que consideraba más personales.

En la construcción de la envolvente atmósfera del film participan otros elementos inseparables del resultado final. Son la cálida y suave fotografía del siempre genial Nestor Almendros, y uno de los mejores trabajos musicales de Georges Delerue, que con la belleza de su música evoca el fluir del tiempo y los sentimientos. Hay quien dice que la mágica unión Almendros-Delarue en esta película, junto a la puesta en escena de Truffaut, hacen la equivalencia cinematográfica de las pinturas de Cezanne y Renoir. Estoy completamente de acuerdo, pero también añado la fuerza y fatalidad de las esculturas de Rodin, cuya inclusión en el metraje no debe ser casual. Por un lado tenemos la luminosidad y tratamiento del color de Cezanne y Renoir, la levedad de los movimientos, el fluir sutil de las relaciones, y por otro, el halo de fatalismo y trascendencia que parece perseguir a los personajes, conscientes de su naturaleza literaria, omnipresente durante todo el metraje gracias al acertado uso de la voz en off.




La nuit Americaine / La noche americana, 1973

No se puede obviar a La noche americana cuando queremos hablar de aquello que se hace llamar el cine dentro del cine.
Perfecta película, tanto estética como argumentalmente.
Es una inmensa telaraña de la rutina de un rodaje, en la que todos y cada uno de los personajes es esencial para el funcionamiento de la película futura y al mismo tiempo, todos y cada uno de ellos, dificulta o impide que se realice en unas condiciones armoniosas.
Ferrand, interpretado por el mismísimo François Truffaut, y su grupo de trabajo rueda el film "Je vous présente Pamela" en el sur de Francia. Los problemas y tensiones que surgen durante la filmación acaban sobrepasando a los de la propia ficción, donde la principal protagonista recae en una depresión de la que acaba de salir recientemente, un temperamental y romántico actor padece un amor violento, las viejas estrellas olvidan entre alcohol sus diálogos o un inocente gato es incapaz de beberse un poco de leche mientras el director trata de mantener en pie una película cuyas circunstancias van de mal en peor.

Además de ser una película que todo amante o estudiante de cine debe ver al menos una vez en su vida y retenerla en su mente a lo largo de toda su existencia, es una moraleja en sí misma para el propio director que la realizó. Para alguien que había admitido varias veces que el cine y la literatura están por encima de la vida misma, esta película no es más que una fantástica aproximación a su problema.
Hay un momento en la cinta en la que todo se viene abajo, nada parece progresar, los actores están descontrolados, no hay esperanzas… y de pronto Truffaut pone en boca de una de las actrices las siguientes palabras: "...Las películas son más armoniosas que la vida, Alphonse. No hay atascos en los films, no hay tiempos muertos. Las películas avanzan como los trenes, ¿lo comprendes?, igual que los trenes en la noche. Las gentes como tú, como yo, estamos hechas para ser felices en el trabajo... en nuestro trabajo de cine"

Por cierto, el título es claramente significativo.
La noche americana (o Day for night, como se dobló al inglés) da nombre al famoso efecto usado sobre todo en el cine americano que pretende precisamente eso, sustituir el día por la noche usando simplemente un filtro azul a pleno sol (recordamos por ejemplo, Metrópoli de Fritz Lang, El último tango en Paris o una de las películas que mejor hace uso de este recurso, Apocalypse Now). Así como se filma sustituyendo la noche por el día, las películas sustituyen los momentos de vida intrascendentes y los convierten en recuerdos gloriosos.

jueves, enero 13, 2005

FRANÇOIS TRUFFAUT (VI)

UN OASIS EN EL MERIDIANO: L’enfant sauvage (1970), Domicile Conjugal (1970), Une belle fille comme moi (1972)



L’enfant sauvage / El pequeño salvaje, 1970


Comprometido con los más pequeños, identificados con los problemas de aquellos que se crían en situaciones paranormales, alejados de una familia, sin el apoyo merecido, Truffaut aborda esta película desde un punto de vista casi documental desde el acogimiento de un niño criado en un ambiente primitivo que ha de someterse a una pronta civilización.
Una muy buena muestra de cómo rodar con cierta maestría las relaciones humanas, las interacciones entre dos personas y la socialización como acto educativo y formador de una persona. Una joya para la antropología.




Domicile Conjugal / Domicilio conyugal, 1970


Nueva etapa en la vida a lo Gran Hermano de Antoine Doinel. Le hemos visto crecer (es el privilegio que nos da Truffaut), enamorarse, desenamorarse, trabajar, y ahora le vamos a ver madurar. Ya comprometido, establecido emocionalmente con su esposa Christine, se van a vivir juntos para esperar a su primer hijo. No obstante sigue siendo esa cabeza loca que no parece cambiar nunca, que tanto en sus empleos como en su vida amorosa, prefiere ir de flor en flor que polinizar una concreta.
Una nueva historia de amor, infidelidades tomadas desde una óptica cómico-romántica que tan bien resultó en Besos Robados.
Film regular, que no resalta por ningún aspecto en concreto pero que merece la pena ser visto tan sólo por evolucionar al personaje interpretado por Jean-Pierre Leaud.




Une belle fille comme moi / Una chica tan decente como yo, 1972

Pegamos un salto cronológico en plan flash-foward con el único propósito de dejar la que tocaría en este lugar (Las dos inglesas y el amor) para dedicarla un artículo independiente, por la importancia que le ha sido dada.
Esta en cambio, además de ser una de las más odiadas por el público europeo (quizá junto a Fahrenheit 451), les agrió el buen sabor de boca que dejó por lo general la película anterior (Las dos inglesas y el amor). Este cambio tan brusco hacia un cine negro de corte alocadamente feminista, les descolocó por completo.Aunque sea algo muy subjetivo, puedo decir que me divertí bastante con este film, protagonizado por una rebeldísima Bernadette Lafont, superficial y libertina presidiaria, presumiblemente prostituta que enamora hasta la perdición al psicólogo que la trata y que recoge en sus memorias las historias que ella el cuenta acerca de sus devenires amorosos, casi de caricatura.

FRANÇOIS TRUFFAUT (V)

SEGUNDA MITAD DE DÉCADA: Antoine et Colette (1962), La peau douce (1964), Farenheit 451 (1966), La marieé etait en noir (1968), Baisers volés (1968), La sirene du Mississippi (1969)


Estaba cruzando Truffaut el meridiano de la década de los 60, con todo lo que históricamente ello supuso (y no dudamos influyera de algún modo en su modo de ver la vida y por tanto de plasmarla en el cine).
Entramos en una etapa en la que lo que nos llega de Truffaut son obras menores por lo general. No se puede usar con ligereza el calificativo de mediocridad pero sí hay que reconocer que entre las obras que vamos a analizar brevemente a continuación no se encuentra ninguna –salvo excepciones subjetivas de una servidora, que pasaré a argumentar a continuación- que marcara mella significativamente en la carrera artística de Truffaut.



Antoine et Colette, 1962

El productor Pierre Roustang propone a Truffaut poco después de haber concluido Jules et Jim el rodaje de un corto de la película "L’amour à vingt ans", largometraje que trata sobre el primer amor y que contará también con la colaboración de otros cuatro directores, a saber,S. Ishihara, M. Ophuls, R. Rossellini y A.Wajda. Film de episodios muy al gusto de la época, donde bullen este tipo de proyectos, pero que resultó ser un fracaso comercial y pronto fue retirada de las salas por su escasa recaudación, siendo el mismo Truffaut el primer decepcionado por el resultado final.

Argumento: Un Antoine Doinel de 17 años (segundo corto papel con Truffaut desde que interpretara al chavalín de 14 años en Los cuatrocientos golpes) que trabaja en una fábrica de discos conoce en un concierto a Colette, una hermosa joven de su misma edad. Se enamora irremediablemente de ella y trata de conquistarla trabando amistad a través de sus padres llegando a mudarse a un apartamento cuyo balcón da de frente con el de la chica, pero ella no parece corresponderle.




La peau douce / La piel suave, 1964

Tras el éxito de Jules et Jim y su estructura en torno a los tres personajes casi únicos en el film, Truffaut decide repetir en esta película en la que la esposa, el marido y la amante forman los vértices de un triángulo amoroso.

En mi opinión se trata de una de las películas que puedes enmarcar fácilmente y sin reparos en el bloque de calidad de su cine. Es un casi perfecto ensayo sobre el deseo perecedero, la invalidez de sosegar sus deseos y obsesiones, sobre la violencia ante el despecho, y donde su admiración por Hitchcock sobrevuela los fotogramas de esta película.




Farenheit 451, 1966

No podemos obviar la procedencia de esta película, el por qué y sobre qué bases fue concebida.
Se trata efectivamente de la adaptación al cine (muy acertada por cierto, aunque no del todo perfecta), por primera vez hasta el momento, del libro homónimo de Bradbury y también, por consecuencia, primera incursión de François Truffaut en el cine de ciencia ficción, cuestión que él abordaría a su modo y estilo, de acuerdo con las ‘normas’ de la nouvelle vague y dándole a la película un aire muy característico, ciertamente retro y quizá algo cutre si se ve con la percepción postaurática de la actualidad.

La historia lo dice todo; un bombero en un futuro no se sabe cuanto de lejano, se dedica a ejercer honradamente su trabajo, quemar todos los libros que encuentran. Pero un día, una mujer misteriosa que se parece exageradamente a su esposa, le enseña que en esos libros prohibidos y desconocidos hay grandes sabidurías, que merece la pena pararse a leerlos y que su trabajo le convierte en criminal del conocimiento.

Como novedad se puede resaltar que fue rodada en inglés, que se tardaron varios años en concluirla (hay quien dice que cerca de 5)… el caso es que sea por lo que fuere, es considerada -dependiendo de según qué argumentos, de modo acertado- como uno de los puntos más bajos de su filmografía.
De cualquier modo, no podemos decir que se trate de una de sus mejores películas, ni muchísimo menos.




La marieé etait en noir / La novia vestía de negro, 1968


Julie Kohler ve cómo su marido cae abatido por las balas en el mismo momento en que sale de la iglesia con él, recién casados. Decidida a vengar su muerte, emprende la búsqueda de los responsables y los va matando uno tras otro.

¿no os suena, no os recuerda a algo bastante cercano en el tiempo?
No es más que la idea original de la que partiera Quentin Tarantino para desarrollar su película Kill Bill.
Cuando alguien que ya ha visto esta última película, se pone delante de este buen film de Truffaut, no puede evitar ver decenas y decenas de referencias, de semejanzas y a veces incluso copias exageradamente desvergonzadas, pues, aunque Quentin se ha hartado a enumerar la lista de influencias en su cine, nunca le he leído admitir que este título es la madre de Uma.
Pero si hasta la idea de la lista la cogió de aqui ;)







Baisers volés / Besos robados, 1968


Una de mis favoritas de Truffaut.
Se trata de la tercera de la serie de Doinel como alter ego del propio Truffaut.
Aquí Antoine (Jean Pierre Leaud) es el mismo chaval problemático que corría hacia la palya pero más crecido aunque guarde sus inquietudes, sus problemas y los rasgos que ya veíamos también en Antoine y Colette. Aquí acaba de ser expulsado del ejército y volviendo a su ciudad natal, comienza a trabajar de detective privado.
En parte su argumento no es más que una trampa, puesto que no se tratará de una película policíaca o de gangsters como el lector se podrá imaginar, sino una historia con grandes dosis de comedia y romanticismo y en la que la profesión del protagonista, aunque tenga mucha importancia, no logra empañar la historia que le une con el género femenino.




La sirene du Mississippi / La sirena del Mississippi, 1969

De nueva, otra de las que no he podido ver aún.
Louis, acaudalado cultivador de tabaco en la colonia francesa de Réunion, se casa a través de un anuncio en el periódico con Julia Roussel, pero ella resulta ser Marion: una impostora que desaparece poco después de la boda con buena parte de la fortuna. Louis, decidido a emprender la venganza contra Marion se da cuenta de que la ama demasiado como para herirle, pero Marion parece no tener tantos escrúpulos...

miércoles, enero 12, 2005

FRANÇOIS TRUFFAUT (IV)


SU SEGUNDA OBRA MAESTRA: Jules et Jim (1962)



Jules et Jim / Jules y Jim, 1962


Dos artistas, el austriaco Jules y el francés Jim, están enamorados de la misma mujer, Catherine, desde hace 20 años. La amistad entre ambos artistas se inicia en Montparnasse en 1907. Más tarde, durante un viaje a Viena, conocerán a Catherine y será Jules quién primero se enamore de ella, para terminar casándose y teniendo juntos una niña. Finalizada la guerra, Jim vuelve para saludar a sus amigos y Catherine lo recibe radiante, con su hija de cuatro años. Es entonces cuando Jim comprende que las cosas no van bien en el matrimonio. Catherine termina convirtiéndose en la amante de Jim y deseando tener un hijo con él que lleve su nombre.
¿Simple? Pues no es más que la fantástica adaptación de la obra del desconocidísimo Pierre Roché, escritor que se debatía entre la prosa y la poesía, moriría antes de ver el resultado de su Jules et Jim.
Como el mismo Truffaut escribiría el mismo año del estreno en Le Monde:


"En la película hay una canción que se llama «el torbellino de la vida», ella indica el tono y revela la clave. Quizá porque fue escrita por un anciano, Henri-Pierre Roché, yo considero que Jules et Jim es un himno a la vida. Por esta razón, quise crear una impresión de gran lapso de tiempo marcado por el nacimiento de los niños, pero también cortado por la guerra, por la muerte, que dan una significación más completa a una existencia entera. Quizás era ambicioso hacer una película de viejo, pero esta distancia me ha fascinado, y me permitía llegar a un cierto desapego"

Esta película lanzaría de un modo totalmente significativo a la fama a la preciosa y genial actriz Jeanne Moreau (Catherine), alrededor de la cual construye la historia, protagonista de la ternura, del cariño, de la fraternidad, y también por qué no, del amor carnal y la pasión contenida que los dos hombres de su vida vertían en ella.
Genial, como no podía ser de otra manera, este tercer largometraje donde la alegría de vivir y la confianza tienen su constante contrapunto del dolor y del temor.

Desde luego, puede ser considerado sin ningún tipo de temor o reparo como uno de los pilares, ya no sólo del cine de Truffaut, sino al mismo tiempo de la corriente artística a la que pertenecía, ya nombrada suficientemente en este mini-estudio; la nouvelle vague.
Por sus detalles artísticos y visuales, por su narración y montaje, por su concepción y por su visión de conjunto, Jules y Jim, se hizo columna vertebral y pie de numerosísimas referencias dentro de todas las artes habidas y por haber, el cine en cabeza, frutos de influencia, plagios incluso, que han creado una imagen mítica; esa triada de personajes, dos masculinos y uno femenino que se han repetido a modo de esquema a lo largo de la historia, cuyo ejemplo más característico (ya no sólo por lo irónico del mismo sino por la calidad de la película) es el del colega Godard rodando tan sólo dos años después A bande apart (1964) en el que encontramos de nuevo a Odile como epicentro de las emociones de sus dos compañeros de correrías.


Por cierto, en ambas películas, Jules y Jim (1962) y Banda Aparte (1964) los personajes se lanzan a la carrera fatigosa, aunque siempre recordaremos con más emoción la de esta última película donde los tres personajes, agarrados de la mano, pretenden romper un record, atravesar el Louvre en un tiempo límite.

Por cierto, que sirva de anécdota, el mismo Jean Renoir confesó haber sentido envidia de que no hubiera sido él quien realizara Jules y Jim.

FRANÇOIS TRUFFAUT (III)

LO QUE DA DE SI UN AÑO: Tirez sur le pianiste (1960), Histoire d’eau (1961), Tire au flanc (1961)



Tirez sur le pianiste / Disparad sobre el pianista, 1960

Después de lo que supuso a nivel de crítica su opera primera, Truffaut lo tenía ciertamente complicado para contentar a los buitres que despedazaban las películas.
Efectivamente, Disparad sobre el pianista se encontró con una mucho más fría crítica aunque para opinión de esta que escribe se encuentre entre una de las mejores películas que han salido de François.
Imitando el cine de clase B norteamericano que tanto siempre le había impresionado (se me viene a la cabeza Samuel Fuller, contemporáneo de Truffaut) y virando su rumbo argumental hacia el género más puramente policíaco, nos introduce un thriller muy bien rodado en el que Charlie Kohler (impresionantemente bien interpretado por Charles Aznavour) es pianista en un bar que, sin apenas darse cuenta, se ve envuelto en un turbio asunto de gangsters y en la que su propia supervivencia será su prioridad.



Histoire d’eau / Una historia de agua, 1961

Fantástico corto, fruto de una paternidad sin igual. Jean-Luc Godard y François Truffaut trabajando juntos al mando de la dirección de un producto cinematográfico, ¿quién da más?
Aunque sin mucho esfuerzo se puedan vislumbrar caracteres muy propios de Truffaut, este corto sería la esencia de todo lo que supone la nouvelle vague. Contiene en pequeña dosis todos los ingredientes con que los mismos protagonistas elaboraron ese nuevo pastel, esa nueva corriente artística de la nueva ola de cine francés.
Aquel que desee de verdad conocer en qué consiste, cuáles son sus rasgos y embadurnarse de la más rica pureza visual, debe ver este film.
Plagado de citas literarias rezuma erudición y cultura por cada fotograma y en todos y cada uno de sus detalles.
Desde luego, si se quiere empezar por algún sitio con cualquiera que integren la Nouvelle Vague, sin duda, esta es salida obligada.




Tire au flanc / Escurrir el bulto, 1961

Porque es muy difícil tener acceso a ciertas películas, me tomo la licencia de incluir tan sólo el resumen de la historia de esta película, pues me es imposible realizar un juicio crítico de algo que no he visto.
Eso sí, diré por lo leído que resultó un fracaso tremendo esta primera incursión del maestro en la producción, además de la realización (e incluso cameo como actor) y le escarmentó para delegar la producción en auténticos profesionales.
Argumento: El joven Jean Lerat empieza su servicio militar en un cuartel. A pesar de los intentos de su tía para que el muchacho pase un agradable servicio, el pobre Lerat se dirige hacia el peor lado de su intimidante coronel…

martes, enero 11, 2005

FRANÇOIS TRUFFAUT (II)


UN GRAN COMIENZO: Les Quatre cents coups (1959)


Les Quatre cents coups / Los cuatrocientos golpes, 1959

Primer largometraje, aunque en sus inicios la idea fuera hacer un corto llamado “La huída de Antoine” y primera intrusión ‘en serio’ en el mundo del cine.
Financiado con un puñado de francos donados por su suegro, se sirve de su propia infancia para establecer las bases argumentales de su primer trabajo.
Antoine Doinel (Jean Pierre Leaud), un chico de apenas 14 años deambula libremente por las calles de Paris acumulando insignificantes delitos que acaban con la paciencia de sus padres y profesores. No está interesado en los estudios, en casa no le prestan nada de atención, y gasta sus pagas mensuales en escaqueos con sus colegas de clase a las salas de cine. Tras descubrir que su madre tiene un amante y comprobar que entre ella y su padre queda poco del amor que los unió y le concibió, su actitud se radicaliza, metiéndose cada vez en líos mayores.
Sus andanzas, de algún modo inocentes, acaban con su detención por parte de la policía y su posterior ingreso en un centro de menores. Su huída, el salto al vacío del joven, marcaría fuerte en la historia del cine.
Todos podemos recordar a ese retrato magistral en forma de eterno plano secuencia, la huída de un chico incomprendido que apela a la libertad como su último recurso.
Una carrera en la que el espectador sigue sus zancadas al ritmo del travelling y las preciosas notas de la melodía que se hizo mítica. Una secuencia de nada menos que 4 minutos en los que vemos sufrir al embrión de adulto que hay en ese cuerpo de niño cuando sus zapatos chocan con el mar.
Ya no hay nada más allá de la arena de aquella playa. Ahora lo que le depare la vida lo tendrá que vivir por si mismo eso sí, sin el amor y el cariño de los que todos nos merecemos, nuestros padres, la familia.
La impotencia del espectador (y también, por supuesto, del protagonista) ante tan enigmático final nos sobrecoge hasta lo superlativo.
¿Qué hay tras esa mirada cargada de sensaciones y preguntas bajo el rótulo de Fin?
Para despejar la duda habría que preguntar a François o en su defecto, al alter ego que lo protagonizó, Jean-Pierre.
No es difícil ver a Antoine Doinel poniendo voz a las palabras que en su día escribió el mismísimo François Truffaut mientras estaba recluido en un centro de menores:

"...mi vida hasta la fecha ha sido banal, nací el 6 de febrero de 1932, hoy es 6 de marzo de 1949, tengo diecisiete años un mes y seis días, he comido casi todos los días y he podido dormir casi todas las noches, he trabajado ya demasiado. No he tenido satisfacciones ni alegrías. Amo el arte y particularmente el cine, considero al trabajo como una mera necesidad y a aquellos que no aman su trabajo como quienes no saben vivir, detesto las aventuras y trato de evitarlas. Tres películas por día, tres libros por semana y la música de los grandes me bastarán hasta el día de mi muerte a la que temo. Mis padres lo son por azar y los considero como a extraños. No creo en la amistad ni en la paz. Si miro por demasiado tiempo al cielo, la tierra me parece un lugar horrible"

Cinematográficamente, vemos en ella una ruptura tajante con el cine clásico, rompiendo en ese final aterrador, con una de las más firmes reglas del cine clásico: el no mirar nunca directamente a la cámara.